INFLABLE

Este proyecto consistió en crear un espacio destinado a ser un Stand para alguna marca conocida. Primeramente cada uno de nosotros elegimos una marca, yo elegí la marca Barbie, debido a que me inspira ciertas cosas y me hace recordar otras tantas.

La marca Barbie está dirigida especialmente para niñas, pero debido a la antiguedad de la misma, la mayoría de las mujeres han tenido o tuvieron alguna vez alguna Barbie, es por esto que la marca no sólo es atractiva para las niñas sino para la mayoría de las mujeres.

Para mí la marca Barbie inspira muchos recuerdos, por eso quice hacer el inflable de tal manera que conmemorara los 50 años de Barbie que serán conmemorados el próximo año. También quice que el inflable inspirara grandeza, majestuosidad, que tuviera la forma de un castillo.

El inflable lo podíamos hacer solamente con plástico, ya fuera cosido o sellado. Para empezar dividí el inflable en dos secciones, la primera que es una especie de túnel, dividido en 5 secciones, cada una de ellas destinada a cada una de las décadas de Barbie, además cada una de ellas con la forma de un pétalo. La segunda parte del inflable es un cículo que tiene el techo a manera de una carpa de circo, simulando ser un castillo. El túnel se encuentra alrededor de la mitad del círculo formando con el mismo y los 5 pétalos una flor.

Para el inflable utilicé principalmente el color característico de Barbie, que es el magenta, pero tomé en cuenta otros dos colores para romper con la monotonía, utlicé el rosa claro y el blanco, además de plástico transparente.

El túnel lo realicé de color magenta completamente para lograr que por dentro se viera un poco más oscuro y cerrado y ayudara de esta manera a la exposición, mientras que en la segunda parte utilicé todos los colores, el magenta, rosa y blanco en ese orden en la pared del círculo para lograr un efecto de claridad hacia arriba, pero no coloqué lo colores en forma totalmente horizontal, sino que formando ondas alrededor del círculo. El techo de esta sección lo hice con magenta y plástico transparente, con el fin de lograr un espacio muy iluminado y con esto, al momento de pasar del túnel a la otra sección el notorio cambio de iluminación lograra en los visitantes esa sensación de grandeza.

Las puertas miden 1.5 metros y aunque son chicas, la finalidad de esto es que al agacharse para entrar los visitantes vuelvan a vivir la sensación que setían cuando eran pequeños y jugaban con Barbies. El inflable tiene el logotipo "B" de Barbie sobre la puerta de salida que está ubicada en la segunda sección del inflable, además de esta no se hace ninguna referencia directa a la marca.

La segunda sección del inflable está dedicada a la exposición de las Barbies actuales y demás accesorios que la marca ofrece

Yo decidí coser el inflable, ya que con la máquina selladora es muy difícil unir la secciones que están en curva.

Tensegrity

Este trabajo consistió en realizar una estructura Tensegrity, esta es una estructura construida  basándose en la tensión que es aplicada a los objetos.

En una base de 50x50 cm

construimos la tensegrity. Colocamos 3 armellas en el lugar que considraramos adecuado para la estructura que deseábamos, esta estructura tenía que transmitir en concepto de ascendencia, debíamos incluir 10 elementos en la estructura, estos 10 elementos eran paltos de madera de 10 cm y del grosor de un lápiz, y sólamente uno de los palitos podía estar apoyado en la base de madera.

El ejercicio lo realizamos con hilo para caña de pescar muy delgado. Para que los palitos de madera pudieran estar en su lugar sin problemas les hice una ranura transversal en la base y una alrededor de la sección superior del palito, la primera para que se sostuviera en el hilo en el que se apoyaba y la segunda para poder amarrar los hilos sin que se resbalaran o se movieran de lugar.

Para transmitir el concepto de ascendencia yo coloqué los diez palitos inclinados hacia afuera de manera vertical para que dieran la impresión de que habían sido disparados y en ese momento ascendían, coloqué las tres armellas de tal manera que formaran un triángulo escaleno, pinté los palito

s de color azul (primario) porque de alguna manera este color nos sugiere el color de cielo y esto nos lleva al concepto de

ascender. Después de pintar los palitos les hice las ranuras y comencé colocando el primer palito cerca de una de las armellas y apoyado en la base, los siguientes elementos los coloqué siguiendo un orden, una especie de espiral ovalada, donde los elementos se colocaban cada vez más arriba y más al centro. Como cada uno de los elementos tenía que estar referido a las 3 armellas y los hilos no debían de chocar, esto me dificultó la construcción ya que en algunos de los l

ugares donde yo había planeado colocar algunos elementos fue imposible colocarlos ya que tenía que evitar que los hilos chocaran, es por esto que la estructura final quedó diferente a lo que había planeado antes, pero es debido a las restricciones impuestas.

Lo que más me costó trabajo fue evitar que los hilos chocaran entre si, además me costó mucho trabajo tensar los últimos elementos.

En la clase comparamos las tensegritys y decidimos cual ibamos a hacer a escala 1:1, se escogieron los 3 mejores, que eran de Cynthia, Zulma y Ulises, y por votación decidimos que haríamos el de Ulises.

Para hacer la tensegrity a escala 1:1, utilizamos 10 tubos de aluminio de 1 m, 120 mts de piola y 3 estacas.

Para construir nuestra tensegrity necesitamos 2 oprtunidades ya que en la primera vez se nos cayó cuando teníamos 7 tubos ya puestos y por falta de tiempo no pudimos repararlo, que se haya caido el tensegrity creo que fue debido a que las estacas eran muy pequeñas y muy débiles, y a que no nos supimos organizar bien.

La segunda y definitiva vez armamos la tensegrity en otro lugar, pero lo hicimos de manera mucho mas ordenada y cuidadosa, además cambiamos las estacas anteriores por unas que hicimos con los tubos de aluminio que nos sobraron. Construimos la tensegrity en 2 horas más o menos, fue más fácil que la primera vez, porque ya teníamos experiencia y conocíamos mejor lo que ibamos a hacer.

Una de las dificultades que encontramos fue primeramente clavar las estacas porque el suelo no estaba lo suficientemente blando, además de eso tuvimos que cuidar que los hilos no cocaran con ellos mismos. Fue un poco complicado, pero más fácil que la primera vez y el resultado es muy agradable, se ve la tensegrity muy padre en ese tamaño.

Síntesis Formal, Intervención de un paisaje

Este trabajo consistió en realizar la intervención de un paisaje, primeramente debíamos escoger una foto de algún paisaje, para después intervenir el mismo con la escultura del cubo áureo que habíamos hecho previamente.

Yo escogí una foto de una especie de isla, que se localiza en el Gran Cañón en Arizona, me llamó mucho la atención esta foto porque en la misma roca exitía una explanada donde yo podía colocar mi escultura.

Teniendo el paisaje definido, teníamos que idear cómo es que queríamos que la gente viera nuestra escultura al llegar a el, esto implica diseñar la forma en que la gente se aproximaría a la escultura, como sería la permanencia ante esta y como queríamos que se fuera descubriendo.

En mi paisaje ubiqué un destino de ecoturismo llamado NATURA, en el cual se pueden llevar a cabo actividades como rapel, paseo en káyak, además de acampar del otro lado del río. La idea era que el recorrido se realizara comenzando desde el campamento y terminando en el mismo, pero que la última parte del recorrido fuera la tirolesa, partiendo de la escultura y llegando al campamento, para que así fuera la meta o el objetivo del recorrido, siendo esta la manera de descubrir la escutltura, después de un largo recorrido, como una recompensa; además de esta manera la persona puede interactuar con la escultura, puede tocarla subirse en ella, etc.

El destino contaba con un comedor, 2 servicios (unos en el campamento y otros en el comedor), un auditorio destinado a retroalimentación u otras actividades, la plataforma de rapel, la plataforma de llegada, una explanada y un mirador con piso de cristal. La escultura se encuentra ubicada en el escenario del auditorio, a un lado del mirador. Todas las construcciones, incluyendo los servicios, el comedor escaleras y señalamientos fueron diseñados con formas orgánicas y materiales que se pudieran encontrar en ese paisaje, con la finalidad de no romper con el mismo, ya que para realizar el proyecto me basé en el concepto de lo natural, la convivencia con la naturaleza, de esta manera los señalamientos era lajas de piedra con las indicaciones talladas.

La escutura que hasta cierto punto rompe con lo orgánico del ambiente, simboliza la intervención humana en la naturaleza, y que no siempre esta tiene que ser pejudicial para la misma.

Cubo Áureo

Este ejercicio consistió en construir una escultura a partir de cubo de 10x10 cm, el cual se cortaría siguiendo la proporción del número áureo, de esta manera la escultura sería armónica.

Primeramente y utlizando un cubo de unicel como boceto se cortaron 3 cubos en 20 piezas o más siguiendo la proporción áurea, después se unieron las diferentes piezas de maneras diferentes para formar solamente 3 grandes piezas que al embonarlas formaran el cubo que se tenía al principio.

De los 3 cubos de unicel que teníamos elegimos uno para la escultura final y para después hacerlo en papel batería. Después de construir el cubo con papel batería, debíamos realizar un fotomontaje, situando la escultura en alguna foto, en donde nosotros quisieramos y dándole las proporciones que quisiéramos a la escultura, siempre y cuando fuera razonable, ni muy grande ni muy chica. Además, en el fotomontaje debíamos poner una referencia humana para saber de que tamaño se tenía pensada la escultura.

Pintar la escultura era opcional, yo decidí pintarla de 6 colores diferentes, cada vista de un color diferente; rojo, naranja, verde, azul, amarillo y morado, es decir, los colores primarios y los secundarios, pinté de esta manera mi escultura para que se apreciara como una escultura diferente dependiendo del ángulo desde el que sea vista, ya que desde cada perspectiva se aprecian diferentes colores y un lado diferente de la escultura. Para pintar las caras superiores elegí el color amarillo, ya que decidí situar la escultura en una de las entradas de Parque Metropolitano donde se encuentran 2 torres amarillas, de esta manera el color amarillo que es visible desde casi todas las perspectivas nos sirve para ligar o relacionar la escultura con las torres del parque. Otra de las razones por las que pinté mi escultura de varios colores llamativos, es porque al situarla en el parque contribuye a la creación del ambiente que se busca, un ambiente de recreación, familiar, de alegría a donde acuden muchas familias y sobre todo niños.

Tensión y compresión

Este ejercicio consistíó en construir una torre de spaguetti, utilizando sólamente spaguetti del no.5 y pegamento blanco, la torre debía de medir 30 cm de altura y estar dentro de un círculo de radio de 5 cm.

Como la figura que más resistencia ofrece es un triángulo, yo decidí hacer mi torre en forma de triángulo, y a la vez formada por triángulos.

Mi torre constaba de 3 torres triangulares acomodadas de forma que formaran un triángulo más grande sion que se tocaran ninguna de las 3, la torre tenía 6 pisos de 5 cm de altura cada uno, y cada una de sus caras estaba reforzada con triángulos, en cada cara con con 4 spaguettis de manera transversal y uno que atravesaba de forma horizontal. Las 3 torres estaban unidas por los lados con pequeños pedazos de spaguetti, para reforzar aún más la estructura.

La torre debía soportar 3 bloques de construcción 3 segundos cada uno, con la ayuda de una pequeña tabla, mi torre sosportó bien 2 bloques, pero al poner el 3ero el bloque que estaba roto, cayó sobre los otros 2 y se rompió la torre, así que no supe en realidad cuanto podía haber soportado mi torre.

MONTEA

Este trabajo consistió en diseñar una figura teniendo como finalidad que ésta lograra verse en tercera dimensión a través de la ilusión óptica, logrando esta ilusión con el buen manejo de los colores y las líneas.

Para esto, necesitamos tres tablas de triplay de 30x30 cm pintadas de color negro, sobre cada una de estas tablas trazamos una trama, en mi caso una cuadrícula de 2x2 cm ( que era lo mínimo que podían medir los cuadros). Para diseñar el dibujo, podíamos utilixar sólamente líneas verticales, horizontales o líneas a 30, 45 o 60 grados. Para dar el efecto tridimensional a las figuras, elegimos un color y utilizamos toda su gama, hacia el blanco y hacia el negro.

Yo elegí el color rosa porque creo que resalta mucho en el fondo negro de la montea, para diseñar mi dibujo me basé en la idea de en lugar de hacer prismas, hacer túneles; basándome en la estructura de un prisma fugado, hice túneles dandole profundidad a las caras más cercanas del prisma. Hice una serie de túneles que parten del centro de la montea y salen dando la sensación de ser una especie de explosión.

Utilicé la gama del rosa hacia el blanco para las caras exteriores de los prismas, pintando cada una de las caras con un degradado de rosa las partes más lejanas y hacia el blanco hasta las partes más cercanas de cada cara. Para dar la profundidad y el efecto de túnel, utilicé la gama del rosa hacie el negro haciendo también un degradado, entre más oscuro es más lejano el punto que estamos viendo. Además de los túneles hice una especie de rehilete de 4 aspas, con la intención de enriquecer la composición y que ésta no se limitara a prismas solamente, esta figura la situé en el lado derecho de la montea cargado hacia arriba, para esta figura utilicé la gama del rosa hacia el blanco para las caras cercanas y la del rosa hacia el negro para las caras de la figura, que son las que dan la profundidad.

Una de las cosas que más trabajo me costó fue que debido al fondo negro y el tono rosa muy claro que tenía como base, tuve que darle como 4 capas para evitar que se viera el fondo negro de la montea.

Al final pinté el resto de la montea de negro para borrar la trama, y pegué las 3 tablas formando la montea.

CÍRCULO CROMÁTICO DE JOHANNES ITTEN

Esta actividad consistió en crear una escultura de un animal, utilizando piezas de papel batería, las cuales podían ser cuadrados, círculos o triángulos, que cupieran en un cuadrado de 5x5 cm; estas piezas se tenían que armar por medio de pestañas las cuales debían de igual tamaño en cada una de las piezas y existía la restricción de que no se podían utlizar más de 3 pestañas por pieza.

Además las piezas se pintaron con diferentes colores, los cuales debían ser representativos del animal, y debían ser elegidos del Círculo Cromático de Itten, basándose en uno de los siguientes criterios:

1) Un sólo color, utilizando toda su gama.

2) Colores complementarios, es decir, que se oponen en el círculo cromático de Itten.

3) Una triada, que forman un triángulo equilátero en el círculo cromático de Itten.

Yo elegí hacer una guacamaya por el colorido que tienen estas aves, utilicé piezas triangulares porque de esta manera es más fácil representar las plumas de las aves, para representar el colorido de la guacamaya utilicé una triada de colores, un naranja, un azul y un rojo.

Comencé haciendo las partes del ave por separado, primero la cabeza, después las patas, la cola y por último las alas, al final y lo que más trabajo me costó fue unir estas partes con las piezas que me quedaban. Una vez armada completamente la figura comencé a planear de que color iba a pintar cada una de las partes, la piezas se podían pintar de 3 colores como máximo, siendo cada cara de un color y el canto de otro. Pinté las piezas de 2 colores máximo, utilizando la gama de cada uno de los colores con la intención de dar volumen a la escultura, y utilicé la gama del naranja hacia el negro para pintar las patas y la parte interna de la escultura con el fin de que no llamara la atención y que el resto del cuerpo fuera el que resaltara.

Ya planeado el color de cada una de las partes, las separé y las fui pintando por separado para no revolver piezas y poder armar la figura de nuevo.

SEÑALÉTICA

Este trabajo consistió en representar en una señal vial, de color negro en fondo blanco o viceversa, utilizando solamente showcard y papel del color opuesto; un edificio importante de la ciudad de Guadalajara, hubo un sorteo previo para repartir los edificios, a mi me tocó ir al Teatro Experimental de Jalisco.



El Teatro Experimental de Jalisco,, ubicado a un costado del Parque Agua Azul, fue construido por el Gobierno del Estado a finales de la década de los 50, e inaugurado en 1960 por el expresidente Adolfo López Mateos, fue diseñado por el arquitecto Eric Coufal, en el ingreso del teatro se encuentra una escultura llamada "La Tragedia y la Comedia" de Oliver Seguín, y dentro del teatro se encuentra un mural de Gabriel Flores titulado "Alegoría del Teatro en México". El taetro cuenta con una capacidad para 380 personas, y actualmente es sede de la Compañía de la Universidad de Guadalajara, y de numerosas puestas en escena.

Eric Coufal es un arquitecto austriaco, nacido en Viena en 1926, estudió arquitectura en su país y se trasladóa a Guadalajara invitado por Ignacio Díaz Morales, para crear la Escuela de Arquitectura. Formó parte de la renovación moderna de Gudalajara. Algunas de sus obras son La Casa de las Artesanías, La Torre Minerva, El Banco Industrial y El Teatro Experimental. Recientemente, en 2006, recibió, por parte del Colegio de Arquitectos, un doctorado Honoris Causa, dentro del Tercer Premio de Arquitectura de Jalisco 2006.





Para poder representar el edificio en una señal vial, primeramente tuvimos que ir al mismo para tomar fotografías de los elementos importantes o que destacan. Después bocetamos algunas de las ideas que teníamos para la señal vial, descartando las menos claras, pues es necesario que sean muy abstractas y claras, porque serán vistas a una velocidad alta. Yo representé el ingreso del Teatro debido a que la escultura que se encuentra ahí es lo más característico del Teatro, escogí un fondo negro porque de esta manera resaltan más lo elementos importantes. En la señal representé en primer plano y en color blanco la escultura, por ser el elemento principal, en segundo plano y de manera abstracta el ingreso del Teatro también de color blanco pero diferenciado de la escultura. También representé las paredes que se encuentran a la derecha y detrás de la escultura, pero éstas con una línea solamente, lo bastante gruesa, para que se notara que son elementos pesados, pero sin que compitieran con la escultura; en lo que se refiere a la pared que se encuentra detrás de la escultura, la representé con una línea blanca dejando el fondo negro, para que de esta manera resaltara más la escultura o simplemente no se perdiera.

ABECEDARIO FOTOGRÁFICO

Este trabajo consistió en representar el abecedario (27 letras) fotografiando objetos que tenemos a nuestro alrededor, estos objetos no podían ser plantas o árboles, ni objetos que pudieran ser manipulados para parecer cierta letra, principalmente objetos pequeños; por lo mismo las fotografías debían ser tomadas de objetos fijos o que en esencia y siempre estuvieran de esa manera, o tuvieran esa forma. Otra de las restricciones es que no se puede girar la fotografía para que el objeto represente alguna letra; tampoco se puden utilizar letras o números en las fotografías, además de que deben ser 27 fotografías diferentes.

Las letras que me fueron más difíciles de encontrar fueron la Ñ, la Q y la Z; mientras que las más comunes o fáciles de encontrar son la I, T, L, O, etc. Muchas de mis letras están formadas por pedazos de canceles o herrería, otras tantas por muebles o pedazos de éstos, y las demás letras están formadas por elementos arquitectónicos, como edificios, muebles, fachadas, ventanas; finalmente todas las letras están hechas por elementos que encontramos cotidianamente en nuestro entorno.

Personalmente las fotografías que más me gustaron fueron la letra D y la M.

PUNTO Y LÍNEA

Este trabajo consistió en expresar un sentimiento o emoción, y su opuesto, a través de puntos o de líneas, y trabajando sólo con blanco y negro.

Se tenían 2 showcard uno de color blanco y uno negro, en el blanco se trabajaría ya sea con puntos o líneas de color negro, pero sólo uno, no se pueden mezclar; de la misma manera sucedió con el negro. Los puntos debían de ser del mismo tamaño y las líneas del mismo grosor no importando su largo.

Yo escogí dos emociones, el agobio o desánimo, y el entusiasmo. Al comenzar traté de representar el agobio en el showcard negro, con puntos blancos; traté de hacer una figura que diera a entender que la unidad, o la persona, en este caso representada por un punto, era aplastada o se viera amenazada por otras estructuras hechas de igual manera con puntos, sin embargo, al exponer esta figura ante los demás me di cuenta de que daba a entender lo contrario, algo parecido al entusiasmo, por lo que decidí representar el entusiasmo en el showcard negro con los puntos blancos.

En el showcard negro puse un punto como figura central y líneas curvas partiendo del mismo, y que terminaban al borde del papel, dando a entender así que las líneas son las acciones o pensamientos que surgen del punto central que sería la persona; como una especie de fuente.

En el showcard negro representé el desánimo o agobio, lo representé poniendo una línea corta y pequeña como figura central, la cual esta siendo oprimida o atacada por unas estructuras que hice con líneas cortas, estas estrcuturas son de líneas color negro, pero son líneas cortas con la intención de representar unas estructuras agresivas o dañinas, pues al estar hechas de pequeñas líneas, algunas de ellas dan la sensación de ser puntas o púas, algo dañino para la figura central.

ANÁLISIS GRÁFICO DE UNA FOTOGRAFÍA

Para esta actividad fue necesario elegir 3 fotografías de un mismo fotógrafo, yo elegí a Gregory Colbert porque su trabajo se me hace muy valiso, son fotografías muy difíciles y sin ningún truco.

GREGORY COLBERT
Fotógrafo candiense, nacido en Toronto en 1960. Colbert comenzó su carrera con la realización de documentales con temas sociales, en París. Esto lo llevo a trabajar como fotógrafo artístico y realizó su primera exposición en el Museé de Elysée en Suiza.
Gregory se mantuvo diez años sin mostrar su trabajo al público, mientras tanto llevo a cabo varios viajes como a la India, Birmania, Sri Lanka, Egipto, Dominica, Etiopía, Kenia, Tonga, Namibia y la Antártida, para fotografiar diversos escenarios en donde exista la interacción entre los seres humanos y los animales.
En el año 2002 inauguró su exposición “Ashes and Snow” en el Arsenale de Venecia, el cual sirvió como modelo para la creación del Museo Nómada, el cual debutó en Nueva York en el año 2005 con la misma exposición, “Ashes and Snow”.

Las fotografías de Colbert se caracterizan por un tono sepia, y por mostrar la interacción de los animales y los seres humanos.Las fotografías de “Ashes and Snow” se caracterizan por estar representadas en tono sepia, además de mostrar la belleza de los animales salvajes que se encuentran en contacto con los seres humanos.
Su exposisición "Ashes and snow" junto con el Museo Nómada, ha llegado a lugares como Santa Mónica, California: Tokio, Japón y la Cd. de México, entre otras, y aún continúan con su recorrido a través de diferentes ciudades a lo largo del mundo.

ANÁLISIS
Para comenzar el análisis, fue necesario tener cada una de las fotografías en blanco y negro, y a color.

1° FOTOGRAFÍA

El elemento principal de la fotografía es la niña que está al pie de la escalera, por lo mismo, nuestro eje prinicipal vertical es una línea que divide la fotografía en dos partes iguales esta línea parte de la punta del pie de la niña.
La medida que existe entre el final de la foto y donde termina la cabeza de la niña, es igual a la que existe entre el final de la cabeza de la niña y el final de las alas del águila. Otra medida que coincide es la que existe entre el borde derecho de la fotografía y el borde del descanso de la escalera a la altura del águila, con el ancho de la escalera a la altura del águila y la medida de la escalera al borde izquierdo de la foto a la altura del águila.

Existe igualdad entre la medida que existe entre el extremo de las alas del águila y borde superior de la foto, y la medida de la punta de la mano de la niña y el borde inferior de la fotografía.

Los planos de esta fotografía son los siguientes: en primer plano se encuentra la niña, en segundo plano la escalinata, en tercer plano el águila y, en el cuarto y último plano el cielo.

Esta fotografía no presenta mucha diferencia entre la versión a color y la que está a blanco y negro, debido a las tonalidades sepias, pero definitivamente es mucho más fácil apreciar los detalles como planos y medidas en la versión que está a color, además de que comunica un sentimiento de tranquilidad, a diferencia de la que está a blanco y negro, la cual nos transmite más bien un sentimiento de tristeza o da una impresión de soledad o abandono.

2° FOTOGRAFÍA

En esta fotgrafía el elemento principal es el niño que está leyendo, seguido por el elefante que está en el plano más lejano.

Tracé un eje vertical y uno horizontal con respecto al niño, ambos ejes parten la foto por la mitad, el eje vertical es justamente en donde termina la oreja del niño y el horizontal en donde termina la cabeza del mismo.

En esta fotografía pude observar que existen dos ritmos diferentes, uno a cada lado del eje vertical. Hacia el lado derecho, es decir, hacia los elefantes, existe un ritmo de líneas verticales, las cuales están espaciadas a 1.5 cm cada una; estas líneas coinciden con el inicio de las orejas, la boca y los ojos de los elefantes.



Hacia el lado izquierdo de la fotografía es deicr, donde se encuentran los tres niños, existe un ritmo vertical de líneas espaciadas 2 cm cada una, estas líneas coinciden con la nuca de la segunda niña, la espalda de la misma, la cabeza de la tercera niña y el final del cuerpo de la tercera niña.

Otra de las igualdades existentes es la que se encuentra entre la cabeza del elefante más lejano y el borde superior de la fotografía, esta distancia es la misma que la que existe entre el borde inferior de la fotografía y el principio de la segunda niña.

Los planos de esta fotografía son un poco más difíciles de definir, ya que los niños parecen estar en diferente plano, cuando realmente se encuentran en el mismo, por lo tanto el primer plano son los 3 niños, el segundo el elefante más cercano, el tercero el otro elefante y el cuarto el cielo.

Esta fotografía es más fácil de analizar a color que en blanco y negro, ya que estando a blanco y negro son más confusas las líneas de la piel de los elefantes.

3° FOTOGRAFÍA

Esta fotografía fue la más interesante para mi, y la que más me gustó. En esta fotografía, existen dos ritmos horizontales, uno de los cuales es de líneas distanciadas a 3.4 cm una de otra, empezando en el borde inferior de la fotografía, estas líneas coinciden con el punto donde concurren las alas y el hombro izquierdo del niño, con la barbilla del mismo, con las cejas y finalmente con el extremo superior de la cabeza del niño.

Otro ritmo horizontal existente es el que se encuentra en la cara del niño, es un ritmo con líneas que tienen 0.8 cm de separación, las cuales coinciden con la barbilla, el extremo inferior y superior de la boca, la punta de la nariz, las pestañas y las cejas del niño.

Sólamente existe un ritmo vertical en esta foto, en el cual la medida desde el extremo izquierdo de la fotografía hasta la intersección de la piel y las alas, es igual a la medida entre el extremo derecho y la intersección de la piel y las alas del mismo lado.

En esta fotografía existen solamente tres planos, el primero el niño, el segundo las alas y el tercero y último el cielo.

Esta fotografía a diferencia de las demás, es más fácil de analizar a blanco y negro, debido a que las facciones y rasgos del niño son más fáciles de apreciar, además de que la intensidad de las sombras ayuda a definir un poco más la imagen, personalmente me gusta más la versión a blanco y negro de esta fotografía, pues considero que transmite un sentimiento de paz.